Kirlian: terror en las ondas

“La frecuencia Kirlian” es uno de esos proyectos detrás del cual no es difícil imaginar un buen puñado de trabajo, mucha adaptación, muchos cambios, y mucho mimo. Escuchando de hecho varias entrevistas con su creador, el platense Cristian Ponce, al parecer la idea de lo que es este serial ya comenzaba a surgir allá por 2009. Durante los años posteriores, lo que se intenta es buscar el soporte y el medio adecuados para transmitir esas ideas que ya estaban en la mente de Ponce. Y si sois de los que ya habéis visto algún capítulo de la serie, comprenderéis esto último perfectamente.

Porque aunque la mayoría, me incluyo, la hayamos conocido con su irrupción en Netflix a principios de este 2019, lo cierto es que “La frecuencia Kirlian” lleva ya desde 2017 rondando por la red y en este mismo formato. 

1983: bajo el telón de Orwell

He querido subirme hoy al Desván una de las nuevas apuestas por la ciencia ficción que han venido destacando durante las últimas semanas, desde su lanzamiento.

 

En este caso, 1983 parte a nivel argumental de una ucronía bastante particular. Nos sitúa en Polonia precisamente en 1983, cuando se produce un grave ataque terrorista que termina impidiendo la caída del Telón de Acero. Polonia por tanto no entra en el proceso de disgregación de la URSS, y la inseguridad y conmoción que se producen tras el atentado van a derivar en el mundo que, unas décadas después, aquí se nos presenta.

El hechizo de Paco Plaza

Ya a finales de este pasado verano llegaba, y no sin hacer ruido, esta “Verónica”.  Paco Plaza ya nos había mostrado con la franquicia “REC” lo que era capaz de hacer detrás de la cámara, y la expectación era casi lógica.  La trama seguro que se habrá cruzado con todos aunque sea de pasada.  Conocemos a Verónica (Sandra Escacena), una adolescente que tras participar en una sesión de ouija presenciará cómo una serie de fenómenos inexplicables comienzan a darse a su alrededor. Nada novedoso en cuanto a la trama en sí, a prori. El mayor gancho está quizás en que el punto de partida no es mera ficción sino un caso real: el conocido como Expediente Vallecas, registrado y documentado a principios de los 90 en Madrid.

En realidad nunca estuviste aquí (2017, Lynne Ramsay)

Me gusta empezar diciendo que “En realidad nunca estuviste aquí” es la última irrupción con la firma de la escocesa Lynne Ramsay en nuestras carteleras. La misma Ramsay que allá por 2011 daba vida visual a otro superventas editorial como fue “Tenemos que hablar de Kevin”. En aquel momento, y pese a no tener un gran bagaje de películas a sus espaldas, Ramsay me demostró dos cosas: La primera: mucha personalidad. La segunda, muy relacionada y que entonces solo deduje: que su cine nunca iba a limitarse a la línea más comercial.

It comes at night (2017, Trey Edward Shults)

La peli que hoy compartimos en el Desván es otra de esas que han tenido bastante más acogida en las redes que después en las taquillas, al menos en el caso de nuestro país. Sin embargo, nunca podrá catalogarse como un fracaso, porque sin duda ha sacado partido a un presupuesto más que ajustado considerando las cifras en que nos movemos hoy en día.

Partiendo de esa suerte de modestia, “It comes at night”, con  Trey Edward Shults en la Dirección y el guión, busca destacar y desmarcarse a su manera, planteando una apuesta bastante distinta al cine más “mainstream” al que estamos acostumbrados hoy en día. Sobre todo, si nos dejamos llevar por esa etiqueta de “terror” al que se la ha asociado. Incluso el propio tráiler parece incomprensiblemente encaminado a encasillarla en este género.

El bar (2017, Álex de la Iglesia)

Hacía tiempo que no me encontraba con una película como “El bar”. Con Álex de la Iglesia en la batuta, con nombres contrastados en el reparto como Blanca Suárez, Carmen Machi, Mario Casas… y con una campaña de marketing más que digna considerando que el cine español siempre parece un poco “el tapado” en este sentido. 

Los ingredientes parecían apetecibles, la promesa de intriga, claustrofobia, y ese toque tan “De la Iglesia” que no suele dejar a nadie indiferente me “cazaron” en esta ocasión. Para quienes no hayáis visto alguno de los innumerables tráilers, la cosa comienza en un bar cualquiera, una mañana cualquiera y en una ciudad cualquiera, que en este caso resulta ser Madrid. Varias personas que ni siquiera se conocen, varias de esas conversaciones soldadas en la rutina, incluso varias de las típicas discusiones de turno. Cuando uno de los clientes del bar decide salir a la calle, recibe un disparo en la cabeza. A partir de aquí, se desata el pánico y se dispara (redoble de tambores) la tensión entre todos los que permanecen en el bar. 

Logan (2017, James Mangold)

Puedo decir que llegué a “Logan”, el último estreno de James Mangold en nuestra cartelera, desde un paganismo casi total. Con más bien poco bagaje en esa figura original del Lobezno del universo Marvel, protagonista en esta cinta. Extraño en mí, que prefiero acercarme antes a las versiones originales, sobre todo si son literarias. ¿Por qué he visto entonces “Logan”, me pregunto y os preguntaréis? Supongo que por uno de esos impulsos de cinéfilo extraño.

La cuarta fase (2009, Olatunde Osunsanmi)

“La cuarta fase” es una de las primeras películas con la firma de Olatunde Osunsanmi, a quien después hemos visto proliferar más en el jugoso campo de las series televisivas.  Desmarcándose del thriller más al uso, lo que nos propone Osunsanmi es una historia de extraterrestres que aparece marcada desde el principio por unos tintes documentales singulares, aunque notoriamente pretenciosos.

Orígenes (2014, Mike Cahill)

La enésima representación de esa irreconciliable batalla entre ciencia y religión, entre lo demostrable y lo espiritual, aparece muy bien retratada en esta película. Y es que Mike Cahill, con “Orígenes”, ha construido una historia en la que el dilema parece estar siempre palpitante. A veces más relegado a un contexto o a un segundo plano, otras casi delante de nuestros ojos, entre diálogos, o en el perfil de los propios personajes.

La niebla (1980, John Carpenter)

Sé que no es, ni de lejos, el mejor de los legados de Carpenter. Pero tiene algo especial, algo que tenía la primera vez que la visioné casi por casualidad hace un década, y que me he vuelto a encontrar al apostar por ella como broche a mi pasado Halloween. “La niebla” es el ejemplo perfecto de que con una trama convencional, con unos personajes más que encorsetados y sin grandes detalles en el reparto, puede o pudo hacerse buen terror. Carpenter lo consigue con esa ambientación tan especial, y que va mucho más lejos que un simple escenario: Ese Antonio Bay, ese pintoresco pueblo pesquero aparentemente tranquilo con su sheriff, sus marinos, su faro y esa locutora de radio encargada de, como ella misma dice, calentar las noches a base de buena música. Es precisamente ella, Stevie Wayne (Adrienne Barbeau), la primera en darse cuenta de que algo insólito ocurre en Antonio Bay. De que esa densa niebla que se acerca desde el mar avanza demasiado deprisa. De que parece que desprende un brillo que no resulta nada habitual.  Y sobre todo, es la primera en relacionar esa niebla con la extraña serie de desapariciones y de muertes que se han dado últimamente en el, por lo general, apacible Antonio Bay.

Para saber de qué va la cosa y el porqué de la mortífera niebla tendréis que ver la peli, claro. Basta decir que el filme responde bastante a ese esquema Carpenter, una trama sencilla, un delicioso ritmo in crescendo, una estupenda banda sonora y varios sustos bien trazados. Siempre me ha dado la impresión de que Carpenter es uno de los directores que mejor aprovecha dos elementos fundamentales en esto del terror: la luz, y el silencio. Aquí tenemos toda una muestra, porque Carpenter realmente nos atrapa en ese mundo ahora de antaño, en esas noches frías y brumosas de Antonio Bay. Los puristas dirán que no es una película para el recuerdo, que casi todo lo que Carpenter ha hecho es más mediatizado que meritorio. “La niebla” no es extraordinaria, ni es imprescindible, pero tiene algo indefinible. Si os gusta el terror y os entra uno de esos ataques de nostalgia ochentera, os brindará un buen rato.  

En un vistazo #5: a vueltas con el slasher y Shyamalan en low-cost

LA VISITA (2015, M. NIGHT SHYAMALAN)

Dos hermanos encarnados por Olivia DeJonge y Ed Oxenbould personifican la reciente vuelta de Shyamalan a la cartelera. Becca, apasionada por el cine y el pequeñajo Tyler, un loco por el rap empeñado en forzar la rima de cada sílaba, emprenderán un viaje para pasar una semana con sus abuelos, a quienes aún no conocen. Una visita que nuestros dos hermanos, comandados por una Becca en su salsa, se empeñarán en filmar para el recuerdo. Lo que no esperan es que, con el paso de los días, el comportamiento de los abuelos adquirirá tintes cada vez más inquietantes.

Así, en forma de un found footage de bajo presupuesto, regresa Shyamalan a tontear con el terror. Una película propulsada por ese magnetismo especial de los dos protagonistas que deriva hacia un terror bastante light y algo naïf, no esperemos una gran intensidad ni, desde luego, una explosión de violencia. La apuesta es mucho más sutil. Y efectiva, porque el filme resulta entretenido y no falta ese puñado de sustos bien planteados y ese aderezo en forma de tensión. “La visita” es un thriller ejecutado desde esa inocencia infantil, una línea de la que no se despega ni siquiera en su desenlace, donde un cierto tono adoctrinador no pasa inadvertido. Gustará a los afines al formato, y seguramente también a los fans del mejor Shyamalan, aunque no pasará de ser una obra menor en su filmografía. Pero parece que cosas como “La joven del agua” y “El incidente” han quedado atrás. Y se agradece, Manoj, de verdad.

Unfriended (2014)

Que el universo virtual está cada vez más presente en nuestro día a día no es nada nuevo. Cada vez lo transitamos más y casi en cualquier ámbito. Estudiamos, nos relacionamos, e incluso ya hasta viajamos sin despegarnos del todo de internet, aunque busquemos desconectar. Y la película que hoy he decidido traerme al Desván tiene precisamente bastante que ver con esto de los caminos cibernéticos y de las redes sociales.

En un vistazo #4: obsesiones

WHIPLASH (2014, DAMIEN CHAZELLE)

Quienes lo han experimentado comentan a veces que el éxito suele ser efímero, que lo extraño es que se prolongue demasiado en el tiempo. Quienes lo vemos desde fuera no podemos más que asentir y recordar un buen puñado de esos “cantantes de una sola canción”. Si hubiese que resumir “Whiplash” en una palabra sería esa, éxito. Porque este aplaudido filme de Damien Chazelle, ganador de tres Óscar, oscila en esa delgada línea que no siempre separa la obsesión del éxito. Explora las luces y las sombras, oscilando notoriamente más hacia estas últimas. Hay casi cierto tinte de desmitificación, o al menos de racionalización del éxito, de mostrar esa otra cara en la que a veces no reparamos. Para eso nos pondremos en la piel de un afortunadísimo Milles Terrer que encarna a un joven y su empeño por triunfar como batería. Lo veremos progresar y veremos cómo Terence Fletcher, un talentoso profesor, decide reclutarlo para su banda en el Conservatorio. Aparentemente el primer paso hacia su sueño, pero nada más lejos de la realidad. Fletcher, solventemente interpretado por J.K. Simmons, se nos revela como un maestro no solo exigente, sino también estricto hasta casi resultar despótico e imprevisible. Lo que sigue es la evolución de nuestro protagonista ante una mejora diaria prácticamente impuesta. Su obsesión, sus miedos, sus sacrificios, todo aquello a lo que no dudará en renunciar. Quizá esperaba un paso más a nivel de guión, pero merece la pena ver a un Terrer casi camaleónico, plasmando cada etapa de su particular montaña rusa y haciéndolo con solidez.

DEATH NOTE (2006, TETSURO ARAKI)

No soy el mayor fan del anime pero esta serie llevaba ya en mi punto de mira bastante tiempo. Basada en una serie manga homónima, la trama se centra en el Death Note, un cuaderno custodiado por los Shinigamis (dioses de la Muerte) que termina en poder de Light Yagami, un estudiante modélico. Su funcionamiento es simple: Light puede matar a cualquier persona simplemente anotando su nombre en el cuaderno y visualizando mentalmente su rostro. La posibilidad, inmensa, nos arrastra hasta lindes casi éticos. Abrazado a la idea de construir un mundo mejor, Light comenzará a eliminar uno por uno a criminales, malhechores, y a cualquier persona que considera una amenaza para la sociedad o para sí mismo. Sin embargo, pronto despertará la atención de la policía, que no dudará en recurrir a L, prestigioso y audaz detective, para encabezar el caso.

La serie, de 37 episodios, se resume prácticamente en un pulso constante entre Light, oculto tras el alias de Kira, y el resto de personajes que intentarán detenerle o descubrir su identidad. Una vuelta de tuerca constante, quizá algo excesiva a veces, que sin embargo sirve para dosificar el suspense de forma más que efectiva. Una trama apoyada en ese sustento casi sobrenatural que sin embargo no busca desligarse de la realidad. Más bien al contrario, jugando con conceptos como la justicia, la influencia mediática, o la ética tras las acciones del calculador Yagami. Una historia en la que los buenos rotundos y los malos incuestionables tienden a diluirse. 

En un vistazo #3: superhéroes galácticos y nostalgias jurásicas

GUARDIANES DE LA GALAXIA (JAMES GUNN, 2014): 

Gamora, Rocket, Groot, Drax y Star-Lord son los Guardianes de la Galaxia en esta nueva adaptación a la gran pantalla del universo Marvel. Cinco personajes con propósitos muy distintos que no eligen unirse, pero cuyos destinos se empeñan en desembocar en el mismo lugar. Una de esas historias en las que los que son enemigos iniciales terminarán uniendo sus fuerzas para enfrentar una amenaza común. En este caso, se trata de un codiciado orbe capaz de destruir la galaxia que, como es de rigor, terminará cayendo en las peores manos posibles. Un filme ameno y de digestión especialmente sencilla, realmente atractivo en el plano técnico y visual y con varios personajes que buscan ganarse al espectador desde la primera escena. Mención especial merece Rocket, un astuto roedor mutante que sostiene casi toda la carga humorística de la película y con quien es imposible no sonreírse constantemente. La trama mantiene la línea épica de rigor y su mayor mérito es un desarrollo realmente uniforme que hace que el espectador apenas desconecte. Quizá se eche de menos cierto bagaje previo durante los primeros minutos de metraje, pero es algo que no llega a ensuciar el resto. Buena película sin muchos más alardes, candidata perfecta para un sábado palomitero. Acción, aventura espacial, humor, algún destello emotivo y un final amable, de esos para todos los públicos.

JURASSIC WORLD (COLIN TREVORROW, 2015) 

Un más que esperado nuevo billete hacia ese universo de Jurassic Park que allá por principios de los 90 nos legaba Steven Spielberg. Y precisamente a eso parece que huele toda la carga argumental del filme, un poco a antaño. Conserva ese inconfundible deje a aventura algo naïf, casi infantil, espectacular y con ese campo hacia la diversión dentro de la acción trepidante. Y ahí, en ese intento de Colin Trevorrow por proyectar la esencia de la primera película hacia nuestros días, se esconden algunas sombras. Uno no puede evitar pensar que es una receta algo trasnochada, un plato que seguramente es delicioso pero que, de tan degustado, parece que hoy ya ha perdido parte de su sabor. Al margen, hay aciertos en esta “Jurassic World”. La mayor baza ya la adivinábamos en los tráilers y no decepciona. El filme aprovecha lo estético y todas las posibilidades visuales de hoy en día sin excesos, y con coherencia. Y para los que somos más fieles a la saga, caben varios guiños deliciosos sobre todo a esa primera parte. Una película en definitiva correcta, agradable, pero que os dejará con mucha hambre si vais con las expectativas disparadas. Y disfrutable en su justa medida si vais sin grandes pretensiones. Una apuesta por la técnica actual pero que tiende irremediablemente hacia la nostalgia.

Ex machina (2015)

La ciencia ficción toca muchos palos y pocos, la verdad, que no llamen mi atención. En este Desván ya han tenido cabida aventuras espaciales, viajes imposibles que a medida que pasa el tiempo intuimos menos irrealizables. Con la película de hoy el viaje y el tema no son tan lejanos, más bien muy cercanos: El cerebro, ese misterio que tenemos cerquita y sin embargo aún estamos tan lejos de conseguir abarcar.

En un vistazo #2: el filón de los viajes en el tiempo y un genio del fútbol

MESSI (2014, Álex de la Iglesia)

Película documental centrada en la figura del que es seguramente el mayor genio del fútbol actual. Sirviéndose de un buen puñado de imágenes reales e intercalando también tramos de dramatización ficticia,  Álex de la Iglesia busca aproximarnos a la figura del argentino marcando cada una de sus etapas vitales, desde su infancia hasta prácticamente la actualidad. "Messi" es poco más que una serie de testimonios de personas allegadas al argentino: amigos de infancia, antiguos compañeros de equipo, entrenadores y auténticos nombres de esos escritos con mayúsculas en la historia del fútbol. El mayor mérito de Álex de la Iglesia no es tanto haberlos compilado,  sino haberlos hilvanado de forma ciertamente amena. Un documental que busca ir un punto más allá del mero deporte y mostrarnos parte del lado más íntimo del rosarino. Podría pecar quizás del sesgo típico de esta clase de filmes que tienden a ensalzar las luces y a minimizar mucho las sombras. Una opción interesante para los más futboleros, pero lejísimos de resultar imprescindible.

 EL MINISTERIO DEL TIEMPO (2015, Pablo Olivares, Javier Olivares)

“El ministerio del tiempo”. De largo, una de las sorpresas más agradables que me llevado últimamente en cuanto a ciencia ficción patria hecha serie.  Tres personajes de tres épocas muy distintas son reclutados por el Ministerio del Tiempo, un organismo secreto cuya misión explicada en dos palabras es preservar la Historia. Sus agentes, nuestros tres protagonistas, tendrán que viajar en el tiempo para impedir que varios de los acontecimientos más reseñables de la Historia de España sean alterados. Su gran punto fuerte, además de ese matiz casi ilustrativo de hacernos mirar hacia nuestro pasado de forma muy amena, está sobre todo en esos tres protagonistas y la relación que se va forjando entre ellos. Tres mentalidades separadas por varios siglos forzadas aquí a convivir, a colaborar, a adaptarse a cada misión y a cada época. Un reparto contrastado, a la altura y con varias sorpresas. Me quedo con la camaleónica Aura Garrido en un nuevo registro, encarnando aquí a una mujer ya adelantada a su época (S. XIX) que se convertirá poco menos que en el cerebro del grupo. Por poner una pega, el tipo de humor por el que opta en algunos momentos me ha chirriado. Una serie que es una apuesta muy grata dentro del “siempre lo mismo” del panorama actual. Muy llevadera, intrigante y con uno de esos sustentos argumentales que es un filón más que aprovechable. 

It follows (2014)

Cuando un género se encorseta, toma y repite clichés, la originalidad se convierte en un tesoro de esos que como espectadores nos encontramos casi por casualidad. A veces, como ese fan que pide un bis, revisionamos la película de turno, aunque no siempre es buena idea. Otras, es más mi estilo, corremos a recomendarla como quien ha encontrado sin quererlo una pequeña joyita. En cualquier caso, el terror actual es uno de esos géneros. Siempre tachado de agotado, de repetitivo y de vacuo, cada vez parecen menos los filmes que rompen la línea comercial imperante. David Robert Mitchell nos deja esta aplaudida “It follows” que hoy me subo al Desván y que es sin duda una de esas apuestas.

En un vistazo #1: de la provocación de Von Trier a una realidad incómoda

Pues sí, además de las reseñas cinéfilas un poco más extensas, he decidido tirar también por lo minimalista. A partir de hoy, intercalaré también entradas como la que estáis a punto de leer. La idea es seguir hablando de cine, de series, incluir algún documental como es el caso hoy... Abarcar un poco más, en definitiva, pero hacerlo "en un vistazo". En un rincón del Desván en el que todo estará más condensado, habrá menos palabras, pero la misma intención. Venga, va, al turrón:

ANTICHRIST (LARS VON TRIER, 2009)

Esta película inaugura la que algunos han bautizado como la “trilogía de la depresión”, del danés Lars Von Trier. Más tarde llegarían “Melancholia” y la más reciente “Nymphomaniac”. “Antichrist” es de esas películas dificilísimas de definir, como casi todo lo que sale de la cabecita de Von Trier. No seré yo quien diga que el danés no muestra pinceladas geniales, desde esa prodigiosa escena en blanco y negro que abre el filme, el brutal contraste en el que Von Trier nos fuerza a situarnos. Una pareja que se enfrenta a la súbita pérdida de un hijo y que decide afrontar por su cuenta todo lo que viene después. 

Charlotte Gainsbourg, cara visible en las tres entregas, personifica aquí una soberbia exploración del duelo. Tan íntima como alegórica. Tan cruenta y tan descarnada como bella en ocasiones. Y hasta aquí debería haber llegado el filme. Lars Von Trier nunca debería haber intentado virar hacia el terror, o lo que sea que haya querido representar. Porque “Antichrist” se convierte en una película tramposa, que comienza siendo una cosa para desembocar en una extrañísima vorágine psicológica que tiende hacia la provocación. Provocar o remover per se es estupendo en Cine, pero cuando hay cimientos o, al menos, un propósito. La provocación de Lars Von Trier aquí está totalmente ligada a lo visual, a lo explícito, y como tal se antoja vacua e innecesaria. “Melancholia”, la segunda entrega de la saga, es un filme igualmente pausado y simbólico pero muchísimo más cohesionado y digerible. 

INVESTIGACIÓN MÉDICA: HOUSTON, TENEMOS UN  PROBLEMA (ÁLVARO TOEPKE, 2015)

Bajo tan elocuente título tenemos un documental de esos que, creo, todos deberíamos ver. Lo digo yo que soy poquísimo de documentales, pero al fin y al cabo abarca un tema capital y que nos afecta a todos hoy en día. Resumido en una frase: el modelo de desarrollo y distribución actual de los medicamentos puesto en entredicho. Asimilado poco menos que a un crudo negocio en el que salud importa bien poco si las cifras no acompañan. Y una crítica que no sale de cualquier mente retorcida, o conspiranoica, sino del propio ámbito médico, de varios investigadores y expertos que prestan su visión y su testimonio. 

El documental va un paso más allá de la pura crítica y no se limita a poner el foco de atención en un tema tan sensible. Lo especialmente interesante es la última parte del metraje, en la que se proponen varios modelos alternativos a las patentes actuales, que absorben demasiado tiempo, demasiados recursos y prácticamente “secuestran” información en pos de lo que luego será un beneficio económico para las grandes compañías farmacéuticas privadas. Una visión interesante en la que merece la pena ahondar. Este breve documental, en menos de una hora, lo consigue con creces.

Los últimos días en Marte (2013)

La británica “Los últimos días en Marte” es quizá una de esas cintas algo denostadas por la crítica, pero que podrían sorprender a los ya amoldados al género. Un correcto thriller espacial con algún destello de terror que supone el debut del irlandés Ruairi Robinson en la dirección en lo que a largometrajes se refiere.  

Nightcrawler (2014)

Jake Gyllenhaal, para quienes la hayáis visto,  era aquel niño extraño que apenas parpadeaba en Donnie Darko. Ha pasado más de una década y curiosamente, como cabeza de reparto en la película que hoy me traigo al Desván, le vemos prácticamente conservar el mismo recurso. Y para representar exactamente lo mismo. Sus ojos, que en pocos planos vemos cerrados, proyectan ese perfil de personaje, obsesivo en esencia, en el que siempre se desenvuelve tan bien.